Über Dorothea Prühl | About Dorothea Prühl

Dorothea Prühl setzt mit großzügiger Geste auf die Überzeugungskraft einer nur scheinbar einfachen Form. Ihr an der klassischen Moderne geschultes Formverständnis basiert auf bildnerischer Idee und kennt Maß. Konzentration auf das Essentielle, hohe Einfühlung und plastische Kraft kennzeichnen die Arbeiten. Sie sind kritisch reflektierter Ausdruck eines ganz und gar subjektiven künstlerischen Programms. Der mehr oder weniger deutlich erkennbare Bildgegenstand birgt keine verborgenen Botschaften und lässt deshalb keine Deutungen zu, die auf etwas außerhalb seiner selbst Liegendes verweisen. Die Arbeiten sind genau das, was sie vorgeben zu sein. Sie haben keinen doppelten Boden. Es gibt keine Erzählung, nirgends.

Die 1937 in Breslau geborene Künstlerin lebt und arbeitet seit 1957 in Halle an der Saale. Als Professorin an der Burg Giebichenstein Hochschule für Kunst und Design Halle hat sie die Schmuckausbildung dieser Schule profiliert. 1999 wurde sie mit dem Preis der Galerie Marzee und 2009 mit dem Bayerischen Staatspreis ausgezeichnet. Dorothea Prühl gehört zu den herausragenden Protagonisten der aktuellen Schmuckszene.

Spaciously gestural, Dorothea Prühl takes full advantage of what is only seemingly a simple form. Her feeling for form, schooled as it is on the Classic Moderns, is based on a sculptural idea and takes proportion and scale into account. Concentration on essentials, empathy in the extreme and vigorous plasticity are the distinguishing features of these works. They are the critically reflected expression of an entirely subjective artistic agenda. More or less recognisable, the object visualised contains no subliminal messages; hence it permits no interpretations containing extrinsic references. These are works that are exactly what they purport to be. They are not ambivalent. There is no narration, none at all.

Born in Breslau in 1937, the artist has been living and working in Halle on the Saale since 1957. In her capacity as a professor at the state Kunsthochschule at Burg Giebichenstein, she has shaped the jewellery-making curriculum at that school. She has been awarded with the Prize of Galerie Marzee in 1999 and with the Bavarian State Prize in 2009. Dorothea Prühl is a major player on the current jewellery scene.

Dorothea Prühl. Zur Person und zur Arbeit

Man erlebt etwas Besonderes mit ihrem Schmuck. Er verlangt langes Hinsehen, so wie er auch langsam, Schritt um Schritt entstanden ist – die unverrückbare letzte Fassung vieler verworfener Versuche. Auf den ersten Blick ist er groß und sperrig, merkwürdig archaisch. Ungewöhnlich für Betrachter, die sich an Effekte gewöhnt haben, auch die Wahl der Werkstoffe: geschnitztes Holz, unbearbeitetes Titanblech, blasses Gold. Bleibt der Blick erst hängen, geraten wir in einen gedanklichen Sog, der nach innen zieht, auf eine andere Ebene des Erlebens. Man spürt plötzlich das in ihn hineingetropfte Leben, die geronnene Zeit, die tiefe Liebe zum Gegenstand, die solche Sprödigkeit zugänglich macht.

Schauen wir zurück: 35 Jahre Tätigkeit an der Hochschule Burg Giebichenstein im Lehramt, die letzten neun Jahre – nach dem Tode von Renate Heintze – dann leitend tätig, seit 1995 Professorin. Dorothea Prühl ist mit der Burgtradition sehr eng verbunden, hier hat sie ihre Bildung erfahren und weitervermittelt. Es war nicht allein die Orientierung auf den plastischen Gegenstand und auf das Studium der Natur. Es war die Erziehung zur Genauigkeit und zur Konsequenz. Enge, die ihr auch begegnete, verstärkte die Sehnsucht nach Weite, die Fähigkeit zum Beharren, auch zum nachdrücklichen Suchen nach etwas Absolutem.

Der Weg von Dorothea Prühl scheint eine in dieser Weise vorgezeichnete Richtung genommen zu haben. Sie ist ihm Stufe um Stufe, von außen nach innen schauend, gefolgt – bis zum Zeitpunkt heute. In dieser Form hat man Schmuck noch nicht gesehen.

An den Stücken der Ausstellung 1996 in der Galerie Marzee – im Katalog dazu ausführlich dokumentiert – läßt sich die vorangegangene Entwicklung deutlich ablesen. Seit sie 1973 den goldenen Ohrschmuck Stern und Kugel machte, 1974 den Halsschmuck Vögel aus geschnitztem Holz, gefolgt 1975 von der zart geschnittenen Landschaft in Elfenbein, der sich die Brosche Haus anschloß, schienen fast alle ihre Themen in Kopf und Herz präsent zu sein: Das Haus in Mecklenburg, das Gras, die Blumen – Sonnenblumen, Windblumen, Wasserblumen und Winterblumen –, Schilf, Frösche und Vögel.

Nur wurden mit den Jahren die Formen größer, eindrucksvoller, zugleich zeigte sich die Tendenz zu mehr Abstraktion. 1992 bieten sich Halsschmuck Gras und Blumen aus Augustenberg noch zu einfühlbaren Assoziationen an. Doch als ob Dorothea Prühl sich plötzlich mit der Gefahr der Idylle konfrontiert fühlte, schlägt sie bei der ersten Titankette, 1996, einen herberen Ton an. Die Teile – Blattformen? – sind groß, flach, kühl in der Farbigkeit, allerdings weich beim Berühren der Oberfläche, doch sie versagen sich bereits dem eindeutigen Bezug auf ein bestimmtes Vorbild. Sie löste sich in der Folge mehr und mehr von den äußeren Erscheinungsbildern, als versperrten sie ihr den Blick in die Tiefe.

Jetzt stellt sie dreizehn neue Arbeiten vor – ausschließlich Colliers. Jedes mit einer anderen Entstehungsgeschichte, erkennbar an den wenigen Zeichen, mit denen sie noch an ihr Vor-Bild gebunden bleiben, doch auf unterschiedliche Weise bereits davon abgenabelt. Dreizehn Arbeiten, die meisten zu ungewöhnlichem Format angewachsen, alle in ebenso ungewöhnlich starkem Maße abgemagert und auf einen strukturellen Kern gebracht. Der Weg führt zum Elementaren. Die plastische Einzelform wird immer knapper gehalten und wirkt nur noch umriẞhaft, das Organische scheint abgeschmolzen. Angesichts der Wiederholung in der Reihe kommt der Gedanke an Ornament auf. Indessen findet hier keine mechanische Aneinanderreihung statt, sondern Verdichtung ist spürbar. Es liegt an der sorgfältig differenzierten Handhabung der Einzelformen, an den leisen, aber merkbaren Veränderungen der Konturen, an den feinen Spuren der Bearbeitung, an der Wahl des Materials. Handwerk bis ins letzte ausgereift ist so selbstverständlich, daß es nicht mehr in Erscheinung tritt. Das Ergebnis ist nicht Kälte, sondern Ruhe, nicht Starrheit, sondern Stille, eine Stille freilich, in der jede Spur der Bearbeitung wie ein deutlicher optischer Klang erscheint.

Die Suche nach Gesetzlichkeit – das Prinzip der Wiederholung

In künstlerischen Dingen spielt immer eine psychische Komponente mit. Künstler erleben das Kunst-Machen auch als Prozeß einer inneren Standortbestimmung. Dorothea Prühl lebt in universellem Bewußtsein. Ihre Wahrnehmungen und Entscheidungen werden ohne Zweifel durch die sinnliche Komponente bestimmt. Warum jetzt diese deutliche Distanz, diese Minimierung, dieser Wille zur Abstraktion, ja zur Geometrisierung? Wachsende Reife äußert sich in zunehmender Skepsis gegenüber der Flüchtigkeit sinnlicher Eindrücke. Folgt sie hier einem unbewußten Wissen, daß in unserem menschlichen Organismus das Bildungswerk der anorganischen Natur noch wie eine leise Erinnerung nachklingt?

Dorothea Prühl löst sich nicht von der Natur, sondern gibt ihrer veränderten Wahrnehmung Ausdruck. Sie braucht die Dinge, wie sie sich ihr zeigen, weiterhin als Quelle. Doch sie sucht eine allgemeingültigere, konsequentere Definition des Körperhaften. Proportionen und Strukturen beginnen interessant zu werden. Der Winkel zum Beispiel, abgeschaut der Körperform trottender Kühe. Er ist Zeichen für das Verhältnis von Kopf zu Rumpf und bietet zugleich die Möglichkeit, Typisches einer Bewegung festzuhalten, die sich als Teil eines Gesamtablaufes darstellt. Keine der Formen kann oder will allein existieren.

Winkel zeigen sich vielfach. Die Holzkette Tiere von 1997 ist dem auslösenden Naturvorbild noch am nächsten, auch Blätter von 1998 bieten noch reichlich Assoziationen durch weich gerundete Umrisse und scharf gezogene Blattrippen. Ganz anders die aggressive Variante im massiven Silber: an einer Kette vier Große Winkel. Der Winkel wird zum reinen schweren Ornament, der Schmuck zum Kultgegenstand. Im Halsschmuck Treppe aus Holz haben die einzelnen Winkelformen durch hohe, feste Flächen Raum gewonnen und erscheinen in eindringlicher Wiederholung. Im Stern aus Holz wird der breitflächige Winkel mit ungleichen Schenkeln zum Baustein für eine bewegliche, verschiebbare Paravantsituation. Die zartgliedrige Kette Bewegliche Winkel ist eine ungewohnt zierliche Auslegung des Themas. Inmitten sperriger Winkelformen erscheint ein goldener Reifen wie ein Ruhezeichen. Die symbolträchtige Kreisform in Zwei Reifen prägt sich durch ihre eigenartig konvex-konkave Doppelverbindung ein.

Nach einer so hochkonzentrierten Formensprache ist man angesichts der 1999 entstandenen Tierkette aus Titan irritiert. Verwundert nimmt man schalenförmige, unruhig gewellte Formen mit grauer Oberfläche wahr – der fließenden Silhouette ruhender Tiere abgeschaut. Der Kanon gleichmäßiger Reihung scheint hier durchbrochen zu sein.

Die rhythmische Reihung ist zunehmend eines der wesentlichen Kompositionsmittel in Dorothea Prühls Arbeiten. Als man zu Beginn des zwanzigsten Jahrhunderts die psychologische Komponente in der Kunst entdeckte, schrieb Wilhelm Worringer: Die Regelmäßigkeit der Folge ist uns (…) etwas Wertvolles (…), weil unser Organismus seiner Anlage gemäß nach Regelmäßigkeit in seinen Funktionen verlangt. Wir atmen regelmäßig, jede andauernde Tätigkeit vollzieht sich in periodischer Folge. Die Reihung, der Gesamtrhythmus bietet also die größte Befriedigung. Doch je einfacher die Form des einzelnen Teiles, um so notwendiger der Zusammenhalt durch das Ganze – die Kette. Vielleicht hat Dorothea Prühl deshalb im Augenblick so wenig Interesse an Broschen. Notwendig für sie sind die Einzelteile nur im Stadium der plastischen Skizze, um den Abstraktionsvorgang zu erarbeiten – als Vorform der Gesamtgestaltung.

Die Wirkung des Archaischen

Große Teilformen aus Holz, aus Gold oder Metall anderer Art, auch ihre strenge Reihung erinnern an die ehemals kulthafte Bedeutung von Schmuck in der Frühgeschichte der Menschheit, bis hinein in die frühen Hochkulturen. Damals hatte Schmuck mit seiner imaginären zugleich eine sehr reale Funktion im Überlebenskampf der Menschen. Heute verpflichtet uns nichts mehr als die eigene Eitelkeit, Schmuck zu tragen. Für uns hat sich seit langem die Funktion des Schmucks bestenfalls auf das Künstlerische, üblicherweise jedoch auf das rein Dekorative verengt. Bei Dorothea Prühls Schmuck hat man das Gefühl, plötzlich wieder in das Netz ursprünglicher Bedeutung eingebunden zu werden. Die Schlichtheit der Form suggeriert Geheimnis und Macht zugleich, die Größe – bis an die Grenze des Zumutbaren getrieben – wird zum Hoheitszeichen, die rhythmische Reihung wirkt wie eine magische Kraft. Die große Form und der damit verbundene naiv verschwenderische Umgang mit dem Material, ob Holz oder Gold, suggeriert den Zustand des Goldenen Zeitalters und zugleich den des Barbarischen, jedenfalls Frühgeschichte, wo noch nicht das maßvoll Verbindliche, noch kein ökonomisches Kalkül herrschte. Der Wert lag im Imaginären. Ein solcher Schmuck war Symbol, er beherrschte die Person, die ihn trug und gebot zugleich dem Fremden Distanz.

Auch Dorothea Prühls Schmuck dominiert den Träger, er erweckt ähnliche Assoziationen. So erliegt man der geheimnisvollen Ausstrahlung von Zwei Reifen, weil es an den Mythos der Königin von Saba erinnert und der zwingende Verlauf der hölzernen Treppe gleicht einer Gestalt gewordenen magischen Beschwörung. Der hochwandige Stern, der wie ein Kragen und doch schützend auf den Schultern steht, erzwingt Respekt vor dem Träger, zugleich aber von ihm die würdevolle Haltung einer Person von Rang. Die großen weichgerundeten Blätter kann man sich ebenso als rituellen Festschmuck der Frühlingsgöttin Flora vorstellen, wie die Tierkette als Schutz und Bann für den das Wild verfolgenden Jäger.

Kunst und Funktion

Die Faszination von Dorothea Prühls Schmuck ist stark. Dabei sind ihre Arbeiten auf ein reales Funktionieren eingestellt. Die volle Dimension der ästhetischen Wirkung stellt sich erst über den Gebrauch her, denn beim Tragen, durch die Bewegung, gerät der möglicherweise zunächst als Fremd-Körper empfundene Gegenstand in eine sehr selbstverständliche Korrespondenz zum Körper.

Für Dorothea Prühl sind Kunst und Leben ungeteilt. Ihr liegt daran, sich mit ihren Arbeiten auf dem schmalen Weg zu bewegen, der zwischen dem Gebrauchsgegenstand und dem Kunstgegenstand verläuft. Es scheint sogar, daß sie mit der rhythmischen Reihung das einzeln erschaffene Stück vor der Gefahr der Verkunstung schützt und lieber einem sinnvollen Ganzen zuordnet.

Ihr künstlerisches Gewissen verbietet ein Zuviel an Absicht. Dabei ist der Anspruch so hoch wie er nur sein kann. In der gültigen Verbindung von ideeller und realer Funktion sieht sie eine Herausforderung, und nur so läßt sich ihrer Meinung nach der Widerspruch auflösen, in dem sich Schmuck als künstlerische Kategorie befindet. Das gibt Freiheit und setzt zugleich Grenzen. Innerhalb derer gelingt es Dorothea Prühl, ihrer Sehnsucht Gestalt zu geben.

Dorothea Prühl: The artist and her work

We encounter the exceptional in her jewellery. It demands protracted viewing, much in the way it took shape, gradually, step by step – the unalterable ultimate version following a series of discarded attempts. At first glance her work is large and unwieldy, curiously archaic. Unusual for viewers who have become accustomed to immediate effects, unusual also in the choice of materials: carved wood, untreated titanium sheet, pale gold. When our gaze once takes hold, we enter a conceptual vortex that pulls us inwards to another plane of experience. We suddenly sense the life that has flowed into it, the curdled time, the profound love of the object that renders such obduracy accessible.

Let us look back. She has taught at the Burg Giebichenstein College for the last thirty-five years, in a senior position for the last nine years following the death of Renate Heintze, and a professorship since 1995. Dorothea Prühl is closely connected with the Burg tradition; there she has both received an education and passed it on. This has included not only a focus on sculptural form and the study of nature. It has meant training in precision and rigor. Constraints that have impinged on her, too, have spurred her quest for the expansive, strengthened a spirit of tenacity, and fuelled a concerted search for an absolute.

The path of Dorothea Prühl would thus appear to have taken a preordained direction. She has followed its sequence of stages, gazing from the outside inward – to the present day. We have yet to encounter jewellery in such a form.

The pieces from the 1996 exhibit at the Galerie Marzée, covered extensively by the catalogue, clearly reveal this course of development. Since creating the golden Star and Sphere ear pieces in 1973, the carved wooden Birds necklace in 1974, and the tenderly wrought ivory Landscape in 1975 to go with the House brooch, almost all of her themes seem to address both the mind and the heart: the house in Mecklenburg, the grass, the flowers – Sunflowers, Wind Flowers, Water Flowers and Winter Flowers – reeds, frogs and birds.

As the years have passed, the forms have become larger and more striking while at the same time displaying a tendency toward greater abstraction. Emotive associations are still evoked by the 1992 necklaces Grass and Flowers from Augustenberg. But as if suddenly confronted with the threat of the idyllic, Dorothea Prühl struck a more austere tone in 1996 with her first titanium chain. The components – leaf forms? – are large, flat, cool in coloration yet soft to the touch, but they resist unambiguous reference to a specific object. She has freed herself more and more from exterior representation, as if it obscured her view of the depths.

She is now presenting thirteen new works – all necklaces. Each possesses its own narrative of generation, evident from the few signs that still link it to its referent, yet each is in different ways already disengaged from it. Thirteen works, the majority having assumed unusual dimensions yet all streamlined to an equally unusual degree down to a structural core. The path leads to the elemental. The individual shape has become increasingly terse, suggesting only outlines; the organic quality seems to have dissipated. In the element of repetition in the sequence, the idea of ornament arises. Yet the repetition here occurs not in a string of components but rather in a palpable sense of intensification. This is due to the carefully differentiated treatment of the individual shapes, to the slight but perceptible alterations in the contours, to the subtle indications of craftsmanship, to the choice of material. Craftsmanship pursued to the ultimate degree permeates the work so thoroughly that it hardly seems remarkable. The result is not a cool but a calm quality, not stiffness but stillness, yet a stillness in which every trace of the work is manifest as a visual expression of sound.

The search for structural order – the principle of repetition

A psychological component is always present in matters of art. Artists experience the creation of art as, among other things, a process of establishing interior bearings. Dorothea Prühl lives in universal consciousness. Her perceptions and decisions are doubtless influenced by sensory elements. Why now this pronounced distance, this minimization, this will to abstract, indeed to geometrize? Greater maturation expresses itself in growing scepticism vis-à-vis the volatility of sensory impressions. Is she pursuing the unconscious recognition here that in our human organism, the formational laws of inorganic nature still resonate like a faint memory?

Dorothea Prühl is not disengaging from nature, but instead is giving expression to her changed perception. She continues to need the objects as they present themselves to her as sources. Yet she seeks a more general, more comprehensive definition of the corporeal. Proportions and structures start to become interesting. The angle, for instance, that can be read from the somatic structure of trotting cattle. It is a cipher for the relation between the head and the trunk and at the same time captures something characteristic of a movement representing but part of an overall progression, none of whose forms can or desires to exist apart.

Angles manifest themselves in a multitude of ways. The wooden Animals chain of 1997 remains the closest to its impetus in nature. Leaves of 1998, with its softly rounded contours and sharply delineated ribs, also evokes numerous associations. In stark comparison, the single chain of four Great Angles exhibits aggressive variations in solid silver. The angle becomes pure heavy ornament, the necklace a cult object. In the wooden Stair necklace, the stiff, ascending surfaces have enabled the individual angular shapes to acquire volume and create a compelling reiteration. In the wooden Star, the broad angle with its unequal legs becomes the constituent part of a movable, shifting paravent. In contrast to these pieces, the delicate links of the Moving Angles chain describe an unusually subtle interpretation of this theme. Amidst such arresting angular sequences, a golden tyre appears as a sign of tranquillity. The symbolic circular form of Two Tyres generates a persistent resonance with its peculiar convex-concave dual linkage.

Following such a highly concentrated formal idiom, the titanium animal chain of 1999 might give one pause. Astonishment arises on beholding the overlapping, restlessly undulant forms with their grey surfaces, reminiscent of the fluid contours of reposing animals. The canon of uniform sequence would appear to be broken here.

Rhythmic sequence has become an increasingly significant compositional element in the work of Dorothea Prühl. In the early twentieth century when the psychological components of art were becoming increasingly evident, Wilhelm Worringer wrote that the regularity of sequence… is of value to us…, because our organism is so structured as to demand a regularity of functioning. Our breathing follows a regular course, every long-term action takes place in a periodic succession. The sequence, the overall rhythm, thus offers the greatest satisfaction. Yet the simpler the form of the constituent part, the more imperative the cohesion of the whole – the chain. Perhaps that is why Dorothea Prühl currently displays so little interest in brooches. The individual components are only necessary for her during the drafting of depth sketches, in order to work out the abstractional process – as a preliminary stage in the overall design.

The effect of the archaic

Large components made of wood, gold or other metals, also in conjunction with a strict sequence, recall the cult significance of jewellery from the early history of humankind on into the beginnings of high culture. Jewellery during those times had both an imagined and a very real function in the struggle for survival. Today, in contrast, nothing beyond personal vanity compels us to wear it. The function of jewellery has long become limited to the artistic at best and for the most part only the purely decorative. With Dorothea Prühls work, however, one suddenly has the feeling of being once again caught up in the matrix of original meaning. The simplicity of form suggests secrecy and power at the same time, the size – pushed to the limits of the feasible – becomes a token of majesty, while the rhythmic sequence works like a magical force. The sizeable dimensions and the naively extravagant use of material associated with them, whether wood or gold, could recall either the Golden Age or an era of barbarism, but at any rate an early period of history not yet governed by measured constraints and economic calculation. Value lay in the imagined. This type of jewellery was a symbol, dominating the wearer while commanding strangers to keep at a distance.

Dorothea Prühl’s jewellery, too, dominates the wearer, evoking similar associations. Thus one succumbs to the mysterious air of Two Tyres because it conjures up the legend of the Queen of Saba, while the compelling progression of the wooden Stair suggests a magical incantation rendered physical. The high-walled Star standing protectively on the shoulders like a collar commands respect for the wearer, yet also from the wearer by insisting on the dignified comportment befitting an individual of stature. Similarly, the large and softly rounded Leaves can be envisioned as ritual jewellery for Flora, the goddess of spring, and the animal chain is reminiscent of an amulet or talisman for the hunter pursued by wild creatures.

Art and function

The fascination exerted by Dorothea Prühls work is powerful. Yet her pieces are conceived to fulfil real functions. The full dimension of the aesthetic effect only arises from the use, because only in being worn and put in motion does the object, which might well have been originally apprehended as a foreign body, assume a very natural correspondence to the body.

Art and life are one for Dorothea Prühl. Her work is concerned with the fine line between objects of use and of art. It would even appear that the rhythmic sequence of the individual piece, by serving to align it with a meaningful totality, wards off the danger of being art by mere proclamation. Her artistic conscience eschews an excess of intention. Yet her standards are as high as conceivably possible. She perceives a challenge in appropriate combinations of ideal and real function, and only thus does she consider it possible to resolve the contradiction implied in jewellery as an artistic category. This both grants liberties and sets limits. These are the contours within which Dorothea Prühl gives form to her quest.

Dorothea Prühl ist anders. Innerhalb der internationalen Autorenschmuckszene nimmt sie nicht nur eine eigene sehr persönliche Position ein, sondern sie unterscheidet sich zudem auch auffallend stark von der in sich heterogenen und facettenreichen Schmuckszene. Dies in Worte zu fassen, ist gar nicht einfach. Ihre Arbeiten sind mit ihrer Person, mit ihrer Haltung gegenüber dem Umfeld und gegenüber dem sie umgebenden Leben aufs engste verbunden.

Dorothea Prühl ist leise, aber bestimmt. Sie lässt nie locker. Sie hat klare, präzise Vorstellungen. Sie nimmt große Mühen auf sich, damit diese Vorstellungen auch bis in das kleinste Detail so Realität werden, wie es ihrer Idee entspricht. Dabei sind weder die Person noch ihre Arbeiten laut oder gar spektakulär, aber sie sind präsent, ausdrucksstark, unübersehbar, und dabei doch schlicht und wirken wie selbstverständlich. Nie hat man den Eindruck von etwas Gewolltem. Sie sind da. Sie ziehen die Blicke auf sich. Sie stehen für sich, und schmücken dennoch den Träger, die Trägerin des Schmuckes.

Man merkt die Kraft, die hinter diesen Arbeiten steht, Arbeiten, die nicht schnell entstanden sein können, Arbeiten, die gereift sind, in die genaue Beobachtungen eingeflossen sind, die auf eine Aussage, eine Form zwangsläufig hinauslaufen. Die einfach so sind, und nicht anders sein können. Eben nicht beliebig. Ein Prozess, der wohl für jede Arbeit, jedes Collier seine eigene Zeit benötigt und wohl auch Orte der Ruhe und der Kontemplation, damit sie entstehen – fast möchte ich sagen: wachsen können, mit der Notwendigkeit, der Bedingtheit, wie sie in der Natur gegeben ist. In all der Vielfältigkeit, wie sie dort auch zu finden ist, aber stets mit der gleichen Entschiedenheit in der Aussage.

Deshalb wählt Dorothea Prühl für ihre Arbeit bevorzugt die Form des Colliers, denn es ist das Collier – und nicht die Brosche oder der Ring –, das den Habitus der Trägerin bestimmt. Es ist eine eindeutige Aussage; man mag dazu stehen, wie man will – die Haltung ist unmissverständlich. Wohl deshalb sind ihre Arbeiten stilbildend, verbunden mit der Person, ja mit dem Ort, an dem sie über viele Jahre gelehrt und eine große Schülerschar geprägt hat.

Dorothea Prühl meint es so, wie sie es in ihren Schmuckstücken ausdrückt. Dies ist ihre Sicht auf die Welt, dies ist ihre Haltung. Frei von Ideologie, aber mit einer Botschaft, die nicht zuletzt in Folge ihrer Kontinuität zu einer unverwechselbaren Identität führt.

Die Arbeiten von Dorothea Prühl haben Größe, in jeder Hinsicht, und dies bei aller Bescheidenheit. Sie sind eben sehr eigen.

Dorothea Prühl hat ihre Welt definiert. Sie zu entdecken, ist erkenntnisreich und bereitet Freude. Mit ihrem Schmuck hat sie Zeichen gesetzt, unübersehbar, bleibend. Ihre Colliers verleihen Kraft – nicht nur dem Träger, sondern auch dem Betrachter. Und dies ist ein Geschenk.

Dorothea Prühl is a law unto herself. She is not only the exponent of a highly personal position on the international auteur jewellery scene but she also stands out like a beacon from the jewellery scene at large, as highly heterogeneous and multifaceted as it may be. Putting this into words is not at all easy. Her works are as closely bound up as they can be with her person, with her attitude towards her environment and the life that surrounds her.

Dorothea Prühl is quiet but resolute. She never lets up. She has clear, precise ideas. She goes to great lengths, probably also at the cost of self-denial, to ensure that those ideas also become reality down to the last detail as she has envisaged it. Neither she personally nor her works are shrill or spectacular in any way but they weigh in with great presence, are rigorously expressive, cannot be overlooked yet are, however, notable for a simplicity that makes them seem matter-of-fact. You never have the impression of anything forced. They are simply there. They are eye-catching. They are jewellery that stands alone yet adorns the person wearing them.

The energy that has gone into these works is palpable. These are works that cannot have been produced quickly, works that have matured, works into which the accurate powers of observation have flowed, that of necessity must end in a statement, a form. Works that are the way they are because they cannot be otherwise. Not arbitrary in fact. A process which probably needs its own time for each work, each necklace, and probably also locations that are tranquil and contemplative so that the pieces can come forth – I’d almost say: can grow with the urgency, the restrictedness that is a given in nature. In all the diversity which is also encountered there but invariably with the same decisiveness of statement.

That is why Dorothea Prühl has made the necklace her form of choice because it is the necklace – and not a brooch or a ring – that determines the bearing of the woman wearing it. It is an unequivocal statement; think of it what you will – the stance is unequivocal. That is probably the reason why her works shape styles, linked with the person, even the place, where she has taught for so many years and exerted a formative influence on so many pupils.

What Dorothea Prühl expresses in her pieces of jewellery is exactly what she means to say. This is the way she views the world; this is her stance. Free of ideology yet with a message that, not least as a consequence of its own continuity, leads to an unmistakable identity.

Dorothea Prühl’s works have greatness in every respect and this with all modesty. They are indeed very much her own. Dorothea Prühl has defined her world. Discovering it brings a wealth of knowledge and imparts delight. With her jewellery she has set signals that cannot be overlooked, that last. Her necklaces give strength – not just to the wearer but also to the viewer. And that is a gift.

Susan Cummins @ AJF Best of Interviews 2012

Collector’s Choice

Since I have been asking others to pick their favorites I thought I would take this opportunity to post my choice. I chose a piece from my collection that I love and think embodies many of the qualities I value in contemporary jewelry.

‘What is your favorite piece of jewelry and how does it reflect your whole collection?’ I am thrilled to answer the question.

In truth I have many favorite pieces of jewelry that are held in a trust called the Rotasa Collection Trust. But I rarely get the chance to talk about any of them or reflect on why I like them, what they mean, the material they are made from, who made them and why that maker is interesting to me, what gallery I got it from and perhaps even a funny or sad story about the process of getting them. In fact I have taken advantage of a number of very polite visitors who feigned interest when I thought I could get away with it. I do love to share my enthusiasm but seldom get the chance.

I know right off the bat that the artist I chose is Dorothea Pruhl. I have eight pieces of hers and she forms the heart of the collection. I have a harder time picking the piece. But first let me tell you what I know about Dorothea. She was born in 1937 in Eastern Germany and until 1961 lived under Soviet rule. She went to school at Burg Giebichenstein in Halle and eventually came back to teach there. She developed new ways to teach that produced work that defied preconceived notions about design and what constituted artworks. She retired from teaching in 2002 and now continues to work in Halle and in the tiny rustic village of Augustenberg. Along the way she has received many honors and has achieved somewhat of a mythical status as a jeweler’s jeweler. She has done this by making big, powerful and bold jewelry with the very simplest techniques. It is this old-school quality of doing something simply and beautifully that has endeared her and her work to me.

However, I must admit that it took me quite a while to appreciate Dorothea’s work. Were it not for jeweler Kiff Slemmons, I probably never would have paid attention to her. One day Kiff handed me a book titled Jewelry by Dorothea Pruhl when we were looking through some books Charon Kransen had on display at a conference in Boston. She said, this is the jeweler I would most like to meet. I thought the pieces were a bit ugly. But when I finally made my way to Galerie Marzee in the Netherlands a few years later and saw the work in person I finally understood the allure. Marie-Jose van den Hout who owns the gallery was also very clever and told me I couldn’t have Dorothea’s work unless it was going to go to a museum. She wouldn’t just sell to anyone. This of course made me want them even more. When I assured her that it was my plan to do that then she sold me one and since then I have gotten many others. Galerie Marzee is in control of all of Dorothea’s work and is careful about how the pieces are placed. That gives me confidence in the value of them.

I found out later that Dorothea makes most of her work in a house without electricity or running water. She acquired this property many years ago with some other people and loves spending time there. She uses chisels and saws without power and slowly carves her pieces out of wood she finds on the property or hammers pieces of titanium or silver into shapes inspired by the nature around her. I am tempted to fall into a Werner Herzog spell and see her as a German romantic. I love those naïve and wise, but often foolish, characters like Kaspar Hauser or the Grizzly Man. I love their innocence. Call me schmaltzy but I like thinking of her like this even though I know full well that it is highly likely she isn’t like this at all. But it is my fantasy.

Dorothea is impossible for me to really understand personally because her life has been so different from mine but I love the sheer strength of her work and admire her keen observations of nature. I am inspired by the primitive feeling of a piece like Habicht (Hawk) and yet understand the deep levels of skill that are required to make it. In that conservative, hard-working, old-school way she has made something formal that carries content. The chisel marks are evidence of the time it took to make it. The thin edges of each section break away irregularly, which resembles the wing feathers of a hawk.

In a funny and fascinating article in Artforum about the abstract expressionism movement, the painter Amy Sillman said, ‘Even now, as we pass into a time when pencil smudges themselves are an increasingly exoticized thing of the past, the world is still tactile and material. To touch it is to know it.’ Picking up the necklace and touching it produces the deep sound of the wood clanking together. The pieces twist and make themselves difficult to place around your neck, but once the necklace is in place the connection to nature in all it’s awkwardness is immediate and the weight of the wings is felt. I love the roughness of the wood. It represents real nature, not beautified nature to me. It seems to embody a spirit – a life.

Susan Cummins, Tiburon, USA, Board Chair of AJF:

“I love Dorothea’s work and have a lot of her pieces in my collection. I think she is one of the most intelligent and sensitive jewelers in the world. This is a beautiful piece to complement my compilation.”

In: Out of Pleasure and Passion | Art Aurea (2015)